Este es un blog dedicado 100% a la comunidad salsera, la ideas es hacer que la gente valla mas alla de lo que está acostumbrada a escuchar y salga de lo comercial.......
Ahora traigo para todos ustedes amigos melómanos, un disco que destaco bastante en los 90´s con respecto a la salsa romántica, un buen trabajo de Frankie Hernández bajo la producción del maestro Bobby Valentín al que titularon: TE TRANSFORMAS, Frankie se dio a conocer con ese gran éxito “HURACAN” para la orquesta de Bobby Valentín, lamentablemente como solista no destaco lo esperado, sin embargo nunca dejo de cautivarnos con su voz, el tema TE TRANFORMAS uno de mis favoritos de este álbum y que siempre será recordado por los melómanos conocedores…
Era en Ponce, Puerto Rico, cuando en el 1944 un músico oriundo de Yauco, pero ahora residente de esa ciudad, Enrique “Quique” Lucca Caraballo, decide formar una agrupación musical. Configurada originalmente por dos trompetas, ritmo y voces, y constituida en su totalidad por músicos ponceños, la orquesta es bautizada “Orquesta Internacional”.
Diez años más tarde, el sueño de Lucca, el de lograr hacer algo transcendental, se empieza a esfumar. Cansado de la fiestas de salón y los contratos domingueros, decide desbaratar el conjunto. El quería algo más que un quinteto como el que lideraba en ese momento y buscaba aumentar sus ingresos para sustentar mejor a su esposa Angélica y a sus tres hijos: Zulma, Enrique y Wanda.
Pero llevaba la música en la sangre, y al poco tiempo, febrero de 1954, los reunió de nuevo. Don Enrique iba a establecer un nuevo conjunto, uno más grande, con un sonido más potente. Para alcanzarlo, se había nutrido de un repertorio de temas populares compuestos por Arsenio Rodríguez (a quien le tenía una profunda admiración), la Sonora Matancera y el Conjunto Casino, el de los dos Robertos: Faz y Espí. El nombre oficial de la flamante orquesta sería ¡La Sonora Ponceña!
Los primeros discos de la Ponceña, a pesar de su éxito comercial y excelente instrumentación, no dejaban de ser extraños, ya que se hacían llamar “Sonora”, tenían formato de Orquesta y sonaban como un Conjunto. Y la razón era evidente; aún estaban bajo la influencia del “Ciego Maravilloso”, Arsenio Rodríguez, el tercer cubano, cuyo sello musical era parte inquebrantable de los conjuntos de la época. En sus comienzos, La Ponceña y La Perfecta de Eddie Palmieri, orquesta ubicada en Nueva York, eran muy parecidas, con la excepción de que la sección de vientos de esta última estaba centrada en los trombones.
Tres hechos determinaron la consolidación del estilo de La Sonora Ponceña. El primero fue el nacimiento en 1946 de Enrique Arsenio, el hoy internacionalmente reconocido “Papo”, un niño prodigio que hiciera su debut profesional en el programa de televisión de la popular cantante puertorriqueña, Ruth Fernández, tocando el piano y acompañado por la orquesta fundada por su padre.
La Segunda fue la compra del sello Inca por parte de Jerry Masucci, dueño de la firma Fania Records, quien había escuchado a La Sonora en diferentes conciertos durante sus visitas a Nueva York. Se compra ampliar la distribución y le dio a la Orquesta la oportunidad de conocerse por toda la cuenca caribeña. La tercera, el hallazgo por parte de Papo de la obra musical del pianista Oscar Peterson, considerado uno de los mejores exponentes de Jazz, y cuyo estilo se escuchaba en sus solos de piano.
La historia del desarrollo y eventual éxito del pequeño Enrique está llena de gratas y amenas memorias. Como cuando por más que tratara, en su primera presentación profesional en el programa de Fernández, descubre que no podía alcanzar los pedales del inmenso piano negro que le habían proporcionado. Tenía cuando eso once años y siendo para su edad físicamente chico, si se sentaba a tocar, los pies no le llegaban a los pedales y si lo hacía parado, casi no veía las teclas. Al rescate Don Quique, quien consola al niño y le dice que no se preocupe porque él nunca permitiría que esa tarde perdiera la oportunidad de tocar profesionalmente por primera vez , le amarra unas extensiones a sus zapatos para que pudiera manejar los pedales.
Otra entretenida anécdota sucede cuando tenía cinco años. Resulta que el niño tocaba las claves con gran habilidad y una de las diversiones favoritas de su padre era verlo tocar con el grupo. Una tarde, mientras el Conjunto Internacional ensayaba, Papo se sienta detrás de una tumbadora mucho más grande que él y comienza a tocar “Ran Kan Kan”, el mambo descarga que popularizara Tito Puente, con tanta precisión que los miembros de la orquesta lejos de interrumpirlo, decidieron acompañarlo. Días mas tarde, Don Quique habla con un buen amigo, Francisco Alvarado, y con su ayuda matriculan al pequeño en la Escuela Libre de Música Juan Morel Campos de Ponce. Ahí los profesores le enseñaban las normas por la mañana y Don Quique las reforzaba por las noches.
En noviembre de 1957, el niño es la atracción principal de La Sonora Ponceña durante un baile en la ciudad de Bayamón. Familiares, amigos, músicos y el público en general quedan encantados con la presentación, y aunque esa noche no se habló mucho del pequeño pianista, para Don Quique, su conjunto, por fin estaba en la ruta que siempre había anhelado. El año siguiente, tres discos de 78 rpm materializan su quimera. Especialmente, el último de ellos, donde La Sonora Ponceña con Papo Lucca en el piano, acompaña a los boleristas Felipe Rodríguez y Pedro Ortíz Dávila, “Davilita”. Tapas de refrescos nuevamente son utilizadas para que alcance los pedales.
Durante los sesenta, Papo se convierte en la imagen principal y emblema de La Sonora Ponceña y los empresarios comienzan a exigir en los contratos la participación del chico. Y en cada presentación, todas las miradas quedaban fijadas en Papo, no sólo por su juventud, sino también por su innegable talento. A mediados de esa década, el joven paso de ser el orgullo de su padre para convertirse en el orgullo de su ciudad.
El representante del Sello Inca, Pedro Páez, interesado en La Sonora Ponceña, le ofrece a Don Quique un contrato que no duda en firmar, y con algunas canciones compuestas por integrantes del grupo y otras originales de Arsenio Rodríguez, La Ponceña graba su primer disco de larga duración. Titulado “Hacheros Pa’ Un Palo”, todos los arreglos estuvieron a cargo del joven Papo.
El disco, y en especial el tema de le daba nombre, se convierte en un tremendo éxito radial en Nueva York. Lo mismo sucede con la Segunda grabación, “Fuego en el 23”, realizada en 1969. Cuando eso, además de Don Quique y Papo, La Sonora Ponceña estaba integrada por los cantantes Luigi Texidor y Tito Gómez, el bajista Tato Santaella, el timbalero Edgardo Morales, el conguero Félix Torres, el bongosero Francisco Alvarado y los trompetistas Carmelo Rivera, José Rodríguez, Delfín Pérez y Ramón Rodríguez.
Lucca llegó a conciliar tal influencia con la de Lili Martínez Griñan, el pianista y arreglista del Conjunto de Arsenio Rodríguez, que logró un estilo muy propio, y el que poco a poco se convirtiera en la base de toda la agrupación; aún cuando ese cambio no se hace presente en las primeras grabaciones con Fania. El primer disco para ese sello fue “Navidad Criolla”, álbum que recoge una gran parte de la tradición de aguinaldos y parrandas puertorriqueñas. Los siguientes tres discos, “Prende el Fogón”, “Sonora Ponceña” y “Sabor Sureño”, regresan nuevamente al estilo de Arsenio y la similitud con Palmieri. No fue hasta 1975, con el disco “Tiene Pimienta”, que Papo Lucca incorpora diferentes sonoridades con un teclado electrónico, hecho que consolida el siguiente año en “Conquista Musical”. La razón: el cambio de productor. Para ese disco, la disquera reemplaza a Larry Harlow con Louie Ramírez, quien además se asocia con Papo.
Aconsejado por Louie, La Ponceña inicia una gira por el Caribe y empiezan a internacional su música interpretando y grabando temas, tales como “La Pollera Colorá”, del colombiano Wilson Choperena y bombas, merengues, boleros-feeling, guaguancós y sones. A fines de los 70’s , La Ponceña graba un disco con Celia Cruz, “La Ceiba”. Ese disco simboliza el cambio definitivo. Para ese entonces ya se habían incorporado como cantantes los puertorriqueños Miguel Ortiz y Yolanda Rivera, los que fueron seleccionados por las características tan disimiles que tenían; y cosa que lejos de turbar al oyente, como muchos temían, logró todo lo contrario.
En 1980, Papo graba uno de los discos más llamativos de La Sonora, “New Heights”, grabación que propuso un nuevo concepto, la ilustración de la carátula. Esa ilustración (y las siguientes), los acercan aún más al público y les crean, aparte de aficionados de su música, un nuevo grupo de seguidores, coleccionistas de tapas. Además, con ese disco, comienzan a titular las grabaciones en Inglés, cosa que refuerza el carácter internacional de la orquesta y es la que mejor mostraba una producción a nivel visual.
A mediados de los 80’s, La Sonora Ponceña era ya conocida como la agrupación más importante de Salsa en Puerto Rico y los Lucca eran amos y señores de la sonoridad. Tanto así, que cuando contratan a un nuevo y desconocido sonero, el desaparecido Toñito Ledée, en menos de dos años ya era un ídolo popular.
Paralelamente, La Ponceña añade dos nuevas novedades; Una, la tenaz grabación de canciones de música moderna cubana, especialmente la de Adalberto Álvarez y la de Pablo Milanés. El primero, siendo Director de “Son 14”, le entrega a Papo dos inesperados éxitos, “Soledad” y “Cuestiones”; y el segundo, cada vez más alejado de la nueva trova que le diera fama y fortuna, le pone en las manos “Canción”, tema basado en un poema de Nicolás Guillen, y “Sigo Pensando en Tí”. La otra fue su incursión en el Latin Jazz, lo que obliga a modificar la sección de vientos y el sonido. Basado también en los arreglos, que cada vez tenían mayores elementos de Jazz, se torna aún más brillante.
Con una discografía de más de 30 discos, uno de los que mejor refleja la historia y monumental contribución que Papo y La Ponceña le han entregado a la música popular caribeña, fue grabado en vivo el 19 de febrero de 2000 en el Anfiteatro Tito Puente de Puerto Rico para celebrar, en forma oficial, su 45 Aniversario. Una impecable grabación donde están presentes muchas de las figuras que formaron filas en su seno y un repertorio que incluye, entre otras, los clásicos “Boranda”, “Timbalero”, “Fuego en el 23”, y “Ahora Sí”. Algunas en versiones extra largas, justificadas sólo porque muestran el virtuosismo de su Director.
En los años subsiguientes, aunque no volvieron a grabar hasta el 2004, La Sonora Ponceña continuó con sus presentaciones, tanto en Puerto Rico como fuera del País. Realizaron innumerables presentaciones en la Isla del Encanto, así como en Nueva York, La Florida, Washington, Connecticut, Philadelphia, Chicago, New Jersey, Venezuela, Panamá, Perú, Colombia, Ecuador, Paris, Inglaterra, Suiza e Italia.
El año 2004 resultó ser uno muy especial para Don Quique, Papo Lucca y su Sonora Ponceña. Por un lado, celebraron por todo lo alto, 50 Años en la música, mientras lanzaban al mercado su nueva propuesta musical, “Back to the Road”, bajo el Sello Pianissimo, propiedad del maestro Papo Lucca.
“Back to the Road” es un clásico disco de La Sonora Ponceña, donde se muestra lo que ha hecho de esta Orquesta una institución, demostrando que no se ha dormido en sus laureles y pasados éxitos, y envia un claro mensaje de que Papo Lucca sigue siendo un músico y visionario como pocos. Este trabajo discográfico demuestra la calidad de la Ponceña, siempre en la línea correcta, manteniendo la tradición y su sonido incomparable. Incluye, entre otros, Caprichosa, El Alacrán, Con Tres Tambores Batá.
En su Jubileo de Oro, que se celebró el 21 de febrero de 2004 en el Coliseo Rubén Rodríguez ante 12 mil personas, La Sonora Ponceña reafirmó su posición como una de las agrupaciones más célebres de Puerto Rico. Fue una fiesta como otras tantas que se forman cuando la Ponceña está en la tarima. La agrupación que dirigen Don Quique y Papo Lucca, sólo supo brindar su especialidad, un derroche de la mejor salsa en el mercado y un álbum musical repleto de nostalgia que incluye unas páginas gloriosas en el repertorio bailable afroantillano.
La Cámara de Representantes y la Legislatura de Puerto Rico, así como instituciones y grupos relacionados con la cultura y el quehacer artístico puertorriqueño, reconocieron a Don Quique y Papo Lucca, por la aportación que éstos han hecho a la música popular en Puerto Rico y el mundo entero durante los pasados 50 años.
José Antonio Torresola Ruiz (Frankie Ruiz) nace en Paterson, Nueva Jersey en Estados Unidos un 10 de marzo de 1958 de origen puertorriqueño pero se crío en Mayagüez, Puerto Rico. Desde su niñez empieza a cantar salsa y presenta un talento precoz que lo ayuda a entrar en una relación con los músicos profesionales. Empieza cantando en escena local a los 7 años y graba a los 13 años su primer disco en 1971 a lado de Charlie López y la Orquesta Nueva. En 1974, Frankie Ruiz se va para Puerto Rico con su madre y se instala en Mayagüez donde va a cantar con los grupos La Dictadora y La Moderna Vibración. Es en Puerto Rico donde Frankie Ruiz consolida su carrera musical integrando en 1977 la orquesta La Solución donde se encuentra cantante co-líder con solo 19 años. Hace dos discos Frankie ruiz y La Solución editado en 1979 y salió de nuevo en 1996 con el titulo Salsa Buena ;el segundo Orquesta Solución vuelve hacer un éxito imponiendo dos temas como, La Vecina y sobre todo La Rueda, esto fue una serie de éxitos. Con Tommy Olivencia entra como cantante de su prestigiosa orquesta. Graba la canción Viajera en el disco Primer Concierto de la Familia TH (1983). Celebrando Otro Aniversario en (1984) la canción que mas pego de es disco fue Lo Dudo, es hasta hoy considerado como un disco mayor de la salsa erótica. En 1985 se vuelve solista y graba su primer disco Solista Pero No Solo este disco acaba en los mejores lugares de los hits puertorriqueños y latinoamericanos con varias canciones y gana el titulo del mejor disco en los Latin Music Awards de Billboard en 1986 y es uno de los discos latinos mas vendidos en los años 80. En 1987 confirma su ascenso, en el disco Voy Pa Encima lleno de éxitos se venden 300,000 ejemplares en los Estados Unidos y Puerto Rico, hasta cruzar el Atlántico para sonar en España con el mundialmente conocido Desnúdate Mujer es la hora de la consagración y la revista americana Billboard lo elige artista de año 1987 en la categoría Tropical/Salsa.
Todo un sueño pero siempre en los sueños hay pesadillas y para Frankie Ruiz fue su adicción a las drogas y al alcohol. Desde su juventud esta combinación de drogas y alcohol le queman el organismo y el hígado. Los problemas judiciales se añaden a sus problemas físicos cuando Frankie Ruiz es arrestado por posesión de "crack "en junio de 1988, y lo envían 14 meses a la cárcel.
A pesar de estar en prisión se venden 200,000 de su disco En Vivo y a Todo Color. Luego Mas Grande Que Nunca, apareció en 1989, llega a los niveles mas altos de las ventas .y los éxitos comerciales y artístico siguen: apenas herido por su vida caótica Frankie Ruiz en 1993 saluda a su isla y a quedado grabada para siempre en los corazones de todos los puertorriqueños. En 1992 sale a la calle el disco Mi Libertad y en 1993 Puerto Rico Soy Tuyo. En 1995 sale a la venta Mirándote y el magnífico Tranquilo le sucede en 1996 y le ofrecen un premio en los Latin Music Awards de Billboard de 1997.
Su última aparición fue en un concierto en el Madison Square Garden el 11 de julio de 1998. El 9 de agosto de 1998 a la edad de 40 años acabado por las drogas y el alcohol sucumbe por la cirrosis y muere en un hospital de Nueva Jersey antes de la media noche rodeados de sus hijos, su padre y hermanos y fue enterrado en Paterson, Nueva Jersey junto a su hermano que murió en 1995.
En esta ocasión para ustedes melómanos conocedores presentando el segundo trabajo musical del dúo formado por el percusionista Johnny Zamot y el vocalista Ray Sepúlveda conocidos como JOHNNY & RAY, la producción la lleva el maestro Isidro Infante quien además realizo 7 de los arreglos, los tremendos coros están a cargo de Yayo el Indio. Luego de esto Ray Sepúlveda se lanza como solista y Johnny Zamot elimina el “&” pasando a ser lo que hoy conocemos como Johnny Ray. Uno de los temas que más resalta es el tema de; Ahora me toca a mí.
En esta ocasión traigo para todo melómano conocedor a uno de los pianistas más grandes de la historia de la salsa y jazz.
Joe Madrid. Su nombre completo era José Fernando Madrid Merlano. Nació el 27 de septiembre de 1945 en el barrio Manga de Cartagena, departamento de Bolívar, Colombia. Brillante pianista, compositor y arreglista, uno de los más importantes pioneros de la consolidación de la salsa y el jazz en Colombia, junto a su compatriota el pastuso Eduardo Eddie Martínez. Realizador de importantes fusiones de jazz con los géneros autóctonos colombianos.
Este trabajo cuenta con 10 tremendos temas en los cuales Joe tiene participación como Director, Productor y Arreglista, aporta 6 composiciones, El rey de la conga, Bala de cañón, Chicharrón de camarón, La banda se paso, Atajen al pillo y Salsa brava, uno de sus aciertos es la elección del cantante Barranquillero Jairo Licazale como la voz de la orquesta.
Autor, compositor, intérprete, músico y poeta, Angel Carrión nació en San Juan, Puerto Rico.
Un Carrión autor, compositor, músico y poeta es ante todo, un agudo observador, un retratista del mundo que le rodea, a través de la música y las palabras. Una voz suave, artista creativo, dinámico e inteligente, la voz de Carrión y cautivadora música ha traspasado fronteras. Se ha intentado a través de su arte, para superar las barreras del lenguaje para tocar y exaltar el espíritu humano.
Inicialmente conocido como Angel Javier, su primer álbum, En Cada Lugar, en el sello Capítol / EMI Latin fue lanzado en 1990. El álbum fue un éxito de difusión. Ventas sostenidas del álbum en el Top Billboard Latin Albums durante un año, incluyendo 21 semanas consecutivas entre los primeros puestos.
Carrión hizo su primera gira de los Estados Unidos en 1990, tras el lanzamiento del álbum, de visita en Nueva Orleans, Miami, San Antonio, Dallas, Houston, Tampa, Orlando, Chicago, Union City, Filadelfia, Boston y Nueva York. Al año siguiente hizo un Puerto Rico con más de 50 apariciones en el escenario.
La industria y el reconocimiento de la crítica tras el éxito de su hit 1991 single, "Quiero amarte al aire libre". Que Carrión año recibió el Premio Diplo como "Artista Novel del Año" y el Premio Paoli como "Cantante Revelación del Año". También fue nominado para el Premio Lo Nuestro, presentado por Univisión y la revista Billboard, en el "Artista Revelación del Año" y las categorías "Video Tropical del Año".
El año siguiente, Carrión lanzó su segundo álbum, Siempre Contigo, también en el sello Capítol / EMI Latin. Una vez más, Carrión se fue de gira después de la publicación, esta vez a España, EE.UU. y México.
Viajar a España en 1993, Carrión fue en busca de experiencias y sonidos para su próxima producción, y se instaló en L'Hospitalet de Llobregat, en Barcelona, donde estableció contacto con los músicos catalán. Allí, compuso y grabó durante el verano y el otoño.
En 1994, Carrión volvió a la Universidad de Puerto Rico, Facultad de Ciencias Sociales, para continuar sus estudios en Sociología, pero él continuó con su carrera musical, lanzando un nuevo álbum, Historias de azul o gris con el sello EMI Latin ese mismo año. El álbum incluye canciones como "Sueños perdidos", "Loco por ti" y "Última voluntad" convirtiéndose en el artista de salsa primero en grabar un disco compacto lleno en el género pop.
En el transcurso de los próximos años, Carrión continuó componiendo y proyectos especiales, incluyendo el lanzamiento de su cuarto álbum, Sonidos Urbanos en 2003. El registro consiste en todas las obras originales, incluyendo canciones tan notables como "Simiente" y "Hay Hombres Como perros". La canción refleja más que un joven artista con talento, es la visión de un hombre seguro de sí mismo que bien puede medir el mundo que le rodea en una dimensión más allá del tiempo y el espacio simple.
Amigos melómanos en esta ocasión traigo para ustedes un trabajo de la gran TNT BAND, dedico esto para todos aquellos que pudieron haber olvidado un poco de la historia de nuestra salsa dura, una excelente producción de esta banda Newyorkina traída de la mano de Toni Ramos y Tony Rojas en las vocales…
TNT band historia
Fundada por George Goldner en 1965, esta disquera Latina comenzó a aprovechar el nuevo sonido de Boogaloo, pero de verdad que termina siendo mucho más, TNT surge cuando Tito Ramos le dice a Johnny Colon que quiere tener su propia banda como muchos cantantes de la época se le dio la vía libre, pues tuvo serios inconvenientes con los músicos, con Colon como director y hasta consigo mismo, pues Tito quería hacer lo que quería el no ensayaba y según cuentan Tito se sentía que era una estrella que debía tener privilegios y su manejo debía ser como el de lavoe.
La TNT Band conformada por Tito Ramos y Tony Rojas es una Orquesta de una buena propuesta de música salsa. Fueron la orquesta por excelencia a la par de Richie Ray & Bobbie Cruzy de la orquesta de pete Rodríguez, como referencia del movimiento boogalo latino. su movimiento musical fue relativamente corto, pero en sus temas de salsa brava deja un parámetro de identificación del buen momentode ritmos como el latin, el boogaloo, el son, las guajiras adaptadas con trombones de varas y saxos, al estilo de Johnny Colon y unas descargas de timbal acompañados de unas excelentes letras. Su canción más popular fue "La Meditación". Tuvo a lo largo de su historia cerca de 49 discos sencillos de 45 rpm, 4 lps propios y 1 lp de colección de 1978 bajo el sello cotique.
Héctor Ramos, el galán de la salsa de origen boricua, en el año 1990 lanza esta gran producción a la que titula ¡QUE VIVA EL AMOR! Un disco que cuenta con temas como: Que viva el amor con arreglos del Maestro Isidro Infante, Cuanto te debo con arreglos de Jose Flebes, Daños del ayer con arreglos del Sr. Sergio Gorge, en general una excelente producción…
Directamente de Puerto Rico les presento el Primer Trabajo Discográfico de la Orquesta del Maestro TOMMY OLIVENCIA cantando Chamaco Ramírez y Paquito Guzmán, en este trabajo resaltan temas como: Oye mi consejo, Como te canto yo, Ese guaguancó y por si fuera poco la versión Original del tema: Trucutu, una joya para cualquier melómano…
Angel Tomás Olivencia Pagán
Nació el 15 de mayo de 1938 en Santurce, Puerto Rico. Durante las tres décadas y medias de existencia, la orquesta de Olivencia ha sido incubadora para varios cantantes de salsa. Incluyendo a Marvin Santiago, Paquito Guzmán, Lalo Rodríguez, Gilberto Santa Rosa, Frankie Ruiz y Héctor Tricoche.
Olivencia comenzó como cantante a los 16 anos, pero ha preferido el rol de trompetista y director de orquesta. Comenzó a dirigir cuando contaba con 22 años de edad. El favorece una línea frontal de trompetas y trombones y utilizó una combinación de 4 trompetas y dos trombones en la mayoría de sus producciones desde 1978. Tommy sacó su más temprana producción en su propio sello (Tioly). Firmo con Inca Records y estuvo con ellos hasta 1978. Cambio a TH (TopHIts) Records (ahora TH-Rodven) y sacó ocho discos en el sello entre 1978 y 1988. En 1990, la orquesta de Olivencia fue una de las populares orquestas de salsa de Puerto Rico acogidas por el sello Capitol/Emi Latín. Debutó con ellos al año siguiente.
Los vocalistas iniciales en la orquesta de Olivencia incluían a Chamaco Ramírez y Paquito Guzmán (ex miembro de la orquesta de Joe Quijano). La última grabación de Ramírez con Tommy fue en el 1975 con Planté Bandera. La adicción a drogas destruyó su salud y poco después murió luego de la salida de "Alive and Kicking" como solista, que contenía material que su productor y arreglista, Javier Vazquez había preparado originalmente para Ismael Rivera.
Fuera de las producciones de 1975 y 1976, Guzmán fue co-cantante en seis de los álbum entre 1972 y 1979. Durante el mismo periodo, Guzmán sacó varios álbum como solista para Inca Records, incluyendo Paquito Guzmán (1972), Escucha Mi Canción (1975), Mintiendo Se Gana Mas (1977) y una compilación llamada Peligro en 1980. Firmó como solista con TH Records y luego de la salida de El Caballero de la Salsa (1983) y Paquito Guzmán Con Trió (1985), se convirtió en uno de los primeros artistas en grabar la llamada salsa romántica en su mayor hit Las Mejores Baladas En Salsa (1986). La llamada Salsa Sexy levantó la carrera del cantante y continuó con Tu Amante Romántico (1987) y Aquí Conmigo (1989). En 1990 Guzmán se fue con Capitol/EMI Latín con más de lo mismo con El Mismo Romántico. Guzmán también grabó con la Puerto Rico All-Stars en los 70 y ha contribuido en el coro extensamente con muchísimas orquestas.
Una excelente producción a cargo del Grupo Raíces del año 1988 en la cual destacan temas como el de Alcoba que está a cargo del Sr. Roberto Urquijo y el tema de Distintos Caminos con la voz de Ray Palacio estos los coloque en el reproductor para que aquellos que no los conozcan tengan la oportunidad de escucharlos,
Que tal amigos, después de un largo descanso hoy por fin regresamos y con este tremendo álbum del 74…
En 1974, Piper “Pimienta” Díaz con la agrupación The Latin Brothers, graba el álbum “El Picotero”, del cual impone el éxito “A La Loma De La Cruz” de su autoría, también se destacan los temas “Y Tú Qué” (Enrique Bonfante), “A La Patrona De Cuba” y “Que No Pare La Rumba”, estos dos últimos también de su autoría.
En esta ocasión traemos a el primer sonero dominicano proyectado internacionalmente. Santiago Cerón nació el 25 de julio de 1940 en Santo Domingo, Republica Dominicana donde comenzó como cantante aficionado en La Voz Dominicana. Se graduó como tenor lírico y fue a la escuela de Bellas Artes donde terminó esa carrera. Su vocación por el canto es natal, además de que tiene muchos familiares músicos y cantantes. Dice que emigró a los Estados Unidos para cambiar de ambiente, aunque vivía bien en su país. En Nueva York conoció al extinto Arsenio Rodríguez quien lo enseñó a cantar Guaguancó y se metió en el género aunque su preferencia era interpretar música romántica.
Con Arsenio estuvo por dos años de 1964 al 66 y grabó con él tres producciones y después de la muerte de Rodríguez entró a la orquesta de Luis Kalaff y sus Alegres Dominicanos para cantar merengue. Fue llamado por la Sonora Matancera, pero no tenía arreglos musicales listos y fue rechazado. Luego trabajó con Pete Conde Rodríguez y posteriormente con Tony Pabón y La Protesta. Formo parte de la orquesta de Johnny Pacheco donde hacía coro y tocaba güiro. Pese a que consiguió contrato con la Fania All Stars, nunca pudo grabar con la corporación. Grabó con Pacheco y Larry Harlow en el tema "Se me perdió la cartera", con Adalberto Santiago y Héctor Lavoe. Con este último tocaba las maracas. En total, acumuló 32 producciones discográficas. Sus últimas entregas entre estas "Siempre Duro" para "Sabroso Records" las hizo junto a Ramón Orlando Valoy y varios músicos boricuas y la dirección de Ramón Rodríguez.
Quinto Mayor con tres producciones en el mercado del disco se ha posicionado rápidamente entre los amantes de la buena salsa, de la salsa con golpe, del son cubano y de los temas clásicos, que interpretados por este conjunto han sido rescatados para delicia de los fanáticos en Colombia, Estados Unidos y Europa.
El día de hoy todos los Melómanos del mundo se encuentran de luto debido a la gran pérdida de uno de los cantantes más grandes de música tropical que haya existido, el día de hoy a las 7:45 a.m. falleció de un paro cardiorrespiratorio luego de 29 días de reclusión en la unidad de cuidados intensivos de ese centro hospitalario de la capital de Atlántico
Y una vez que se confirmó la noticia, en las afueras de la clínica comenzó la peregrinación para despedirlo. Pocos minutos después de la hora de su deceso, la calle 71 con carrera 41D dejó de ser una de las más apacibles, ideal para que los médicos traten a sus pacientes, para llenarse de salsa, de lamentos y de curiosos
Las caras de tristeza abundan. Entre pacientes y transeúntes. Incluso, algunos todavía preguntan si es cierta la noticia, como si quisieran que fuera una más de las tantas cadenas de mensajes que a través de las redes sociales dieron por muerto al artista
Lamentablemente hoy muere:
ALVARO JOSE ARROYO GONZALEZ Q.E.P.D.
La noche del 1° de noviembre de 1955, la histórica ciudad de atardeceres naranjas y murallas majestuosas de Cartagena presenció el nacimiento de Álvaro José Arroyo González. Pero en ese entonces, remota se vislumbraba la posibilidad de que aquel pequeño se convirtiera en la leyenda musical que hoy en día representa: el único e irrepetible Joe Arroyo, uno de los más grandes intérpretes de la música caribeña de Colombia entera.
Y fue esa misma tierra la que vio como este niño, ya de ocho años, se estrenó como un artista prometedor en un bar del bajo mundo de su ciudad. Presentación que constituyó un mínimo abrebocas del inmenso talento que deslumbró cuando 'El Joe' hizo vibrar a una de las mejores orquestas de la época, Fruko y sus Tesos, tras ser descubierto por su director, Julio Ernesto Estrada.
Como un digno 'Teso', aquel joven carismático retumbó en el mundo de la salsa gracias a su majestuosa voz que le dio vida a éxitos como 'Tania', 'El caminante', 'Manyoma', 'Confundido' y 'El ausente', canciones con las que se hizo innegable el nacimiento de una nueva estrella del género.
Luego de brillar con Fruko, 'El Joe' también se unió a las conquistas musicales de The Latin Brothers, orquesta fundada por el gran bailarín Piper Pimienta, antes vocalista de los Tesos, junto a quienes cantó 'Báilame como quieras', 'Suavecito, apretaito' y 'En su salsa'.
Diez años después de haber incursionado profesionalmente en los estudios de grabación, Joe Arroyo dio uno de los pasos más grandes en la carrera artística de un cantante y dijo al mundo: esta es La Verdad, su propio grupo musical. La salsa, la cumbia, el porro, el chandé, el socca, el reggae, los sonidos africanos e innumerables ritmos bailables se fusionaron para crear el imponente 'Joesón'.
La leyenda de un matrimonio africano, esclavos de un español, dio a la vuelta al mundo entero con 'un pedacito de la historia negra' en la potente voz del 'Joe', acompañada del exquisito solo de piano ejecutado por Chelito de Castro en la portentosa 'Rebelión'.
La carrera de 'El Joe' surgió imparable y el mundo siguió sus pasos que bailaron al ritmo de letras románticas, melancólicas, alegres, históricas y contagiosas que trajeron algunos de los más grandes logros que el universo de la música bailable ha llegado a conocer.
Pocos saben detalles biográficos de Paquito Guzmán, al igual que de muchos otros exponentes de la salsa clásica. Surgió de la orquesta del maestro Tommy Olivencia, es lo que dice la versión original de la vida de Paquito. Sin embargo, muchos salseros o amantes del ritmo conocen las letras de Paquito Guzmán de memoria y las tararean mientras bailan al ritmo de su buen son, su inicio en la orquesta Olivencia por lo que sus primeras interpretaciones tienen ese aire de antaño de la salsa de Puerto Rico.
No obstante, mientras algunos de sus colegas de sones se disipaban de la música, bien por la llegada de la muerte o por el nacimiento de otros intereses, Paquito fue todo un jugador del género salsero y se adaptó a los cambios que fueron teniendo una buena aceptación del público.
Así, en la década de los 70, Paquito Guzmán realizó varios discos en solitario, entre los que se cuentan “Paquito Guzmán”, “Escucha mi canción”, “Mintiendo se gana más”. Ya en los ochenta, Paquito fue de los artistas que interpretó con éxito la llamada Salsa Romántica, teniendo uno de sus mayores logros en ventas con el disco de 1986 “Las mejores baladas de salsa”. Este fue el comienzo de la Salsa Sexy, que sacó a Paquito de las bajas ventas que estaba experimentando.
Aunque muchos amantes de la salsa clásica critican a Paquito como un vendido comercialmente por la salsa romántica, muchos lo admiran precisamente por ese detalle; por saber salir con pie firme de las situaciones más adversas
El cantante puertorriqueño Néstor Sánchez, ex integrante de las Estrellas de Fania, falleció a los 54 años en su hogar del condado neoyorquino de El Bronx, luego de perder su batalla contra el cáncer del pulmón.
Sánchez, conocido como "el albino divino", grabó más de 200 discos en su carrera, que comenzó en Nueva York en 1971 con la orquesta La Protesta, de Tony Pabón.
Luego se integró al Conjunto Candela, que formó el pianista Héctor Castro, tras dejar la orquesta de Johnny Pacheco y en 1976 se unió a la del "judío maravilloso", Larry Harlow.
Al unirse a la orquesta del pianista Harlow sustituyó a Junior González como su vocalista principal y pasó a integrar a las estrellas del sello Fania.
En ese entonces, Harlow grababa el álbum "La raza latina" para el que Sánchez interpretó un tema y el resto estuvo a cargo del panameño Rubén Blades.
El puertorriqueño estuvo casi diez años con la orquesta de Harlow, con la que grabó siete discos, entre estos Rumbambola y Dulce aroma del éxito.
Kim D’ Los Santos nació en Manhattan, New York, inspirado en la música del Gran Combo, viajo a Puerto Rico en momentos en que la salsa estaba en su mayor auge. Eran tanto sus deseos de formar parte de una orquesta que lo primero que hizo fue comprar una campana. Ya en la escuela superior lo llamaban para hacer sus ensayos y le decían: “Ven que tu sabes cantar”. De esa manera comienza a hacerse conocer entre la juventud. Más adelante se lanzo a grabar sus propias producciones y ya cuenta con diez. Para el año 1983 es elegido artista del año en Puerto Rico, por el tema “El Tomatero”, pegando muy fuerte en Suramérica, especialmente en Colombia, donde fue número uno en todas las emisoras de radio y tuvo gran aceptación.
Entre sus grandes éxitos están: “Háblame en la cama”, “Dichoso soy”, “Romance de paso”, “Hace un mes” y “Diosa del sexo”, que siguen siendo grandes éxitos en Venezuela.
También tuvo la oportunidad de grabar con el sello Musical Productions, lanzando el éxito “Que quieres de mi?” con el cual estuvo en los primeros lugares de venta a nivel mundial. Con el apoyo de su maravilloso público y la salsa que corre por sus venas, Kim D’ Los Santos presento su décima producción discográfica titulada “Llego el Campeón” en el cual le rinde homenaje al campeón de campeones Félix “Tito” Trinidad. Esta producción también cuenta con los temas: “De besos y de caricias”, “Buscando un amor” y “Copias”, los cuales fueron éxitos rotundos.
Mirar hacia atrás para ver el camino recorrido y sentirse complacido con lo vivido, puede ser el presente de los triunfadores, pero para este artista es solo el comienzo de un futuro grandioso donde se ha convertido en uno de los grandes exponentes del genero.
El consentido de Nueva York, el maestro Isidro Infante con su segundo álbum de La Elite, Ricky Soto en la parte vocal y estrenándose la joven Maggie Ramos y Marco Bermúdez y por supuesto en el piano Isidro Infante.
El maestro Infante ha realzado la carrera de muchos artistas, a la vez que gana experiencia y conocimiento que le han ayudado a convertirse en una figura vital en el continuo desarrollo de la música tropical latina.
La suerte de la Orquesta de Larry Harlow cambió cuando se incorporó como cantante un adolescente con cara de niño que venía del barrio conocido como la cocina del diablo, el barrio marginal de Manhattan, entre las calles 34 y 59, el Hudson y la Octava Avenida. En su forma de cantar, Ismael incorporaba los giros y acentos de los barrios marginales.
Abran paso (1971) fue uno de los primeros grandes éxitos de la salsa. La letra constituye una afirmación de los latinos quienes piden paso, protegidos por el dios Changó (Santa Bárbara) y el resto de las siete potencias.
Es una composición de Ismael Miranda, con arreglos de Javier Vásquez en los que destaca el viento, el bongó de Manny Oquendo, las congas y lostimbales.
Este es el tercer trabajo como solista para Eddie Santiago, el cual lanzo en el año 1987 y que lleva por título “Sigo Atrevido”encabezando las listas de música tropical por un año, el álbum recibió una nominación al premio Grammy por mejor álbum latino tropical tradicional, este trabajo contiene éxitos que hasta el día de hoy no se dejan de escuchar, Lluvia, Todo empezó, Insaciable entre otros siguen siendo del gusto del salsomano romántico…
Manuel Bravo nació en Cali, en el barrio Popular, inicio sus estudios musicales en el Conservatorio Antonio María Valencia, A mediados de los años 70´s fundó la Gran Banda Caleña junto a Luis Carlos Ochoa, Jorge Solís, Álvaro Hoyos, Tirso Martin,Roosvelt Malo, Douglas Quintero y Miguelito Ospino.
En los 80´s se radico en Nueva York donde compartió con grandes figures de la Salsa: Joe Madrid y Eddie Martinez, además arreglistas como Luis Cruz, Sonny Bravo, Jose Madera, y Jose Febles.
Fundo la Orquesta Palenque y graba su primer CD en 1988 SALSA FELINA vocalizando Moncho Santana célebre ex-cantante del Grupo Niche, allí se destacan temas como: Chataza, Nina y Taca Taca.
En la parte trasera del L.P. Aparecen las siguientes líneas:
“Palenque” es el nombre de esta orquesta y no es una casualidad. Palenque es sinónimo de lucha, ese es el espíritu que prima es esta agrupación.
Espero que este nuestro primer L.P.Sepa calar en el gusto del público Latino-americano no solo aquí en los Estados Unidos sino también en todos los rincones del mundo donde la sangre sepa vibrar con esta música que es ya una manifestación universal.
Quiero dedicarles este primer L.P. a la gente de Colombia y muy especialmente a mi ciudad natal Cali, que muy merecidamente se ha ganado el título de “Capital Mundial De La Salsa “
Muchas Gracia a Javier Vázquez por su efectiva Participación en este disco, a Orlando Álzate por su ayuda incondicional, lo mismo que a mi esposa Christina por su apoyo moral.
QUE VIVA LA SALSA
Y concluye con su firma, Simple y sencillamente una muestra de humildad, Sigan visitando este su blog, Salsaludos.
Fruco, nombre artístico de Julio Ernesto Estrada, compositor, productor, intérprete y director de orquesta colombiano.
Nacido en Medellín el 7 de julio de 1951, empezó a cantar y a tocar con los amigos del barrio a la edad de seis años. Por entonces comenzó, a ganarse la vida participando en concursos. En 1963 firmó su primer contrato para hacer de chico de los recados en Discos Fuentes, mítica compañía dedicada especialmente a la música latina y fundada por Antonio Fuentes en 1934. En 1965, entró a formar parte de Los Corraleros de Majagual, con los que grabó durante siete años. En un principio utilizaba el sobrenombre de Joselito, pero luego le empezaron a llamar Fruko por su parecido con un personaje de un anuncio de conservas que decía: "La salsa de tomate Fruco (nombre original del producto)... el secreto del sabor".
En sus giras con Los Corraleros de Majagual se codeó con maestros de la talla y fama de Calixto Ochoa, Eliseo Herrera, Abraham Núñez, Lisandro Meza y Julio Erazo.
En Nueva York conoció el auge de la salsa y, de vuelta en Colombia, grabó el disco Tesura en 1970. De esta producción solamente se prensaron 400 discos. Se destacan los temas: Tesura, Botando Corriente, Improvisando y El Vidriero.
Ése fue el origen del nombre del grupo Fruko y sus Tesos; siendo "teso" sinónimo de "tieso", daba a entender que eran "los duros del barrio".
Al principio, Fruko no tuvo éxito, pero no se desanimó y siguió grabando y editando discos hasta que logró que el público demandase más canciones. Sus éxitos El Ausente, El Caminante, Manyoma y El Preso, fueron hits en Colombia y Estados Unidos. A mediados de la década de 1970, la música de Fruko y sus Tesos, con las voces de Edulfamid "Piper Pimienta" Diaz, Joe Arroyo y Wilson Saoko, era muy popular, no sólo en Colombia sino también en el resto de Latinoamérica. Alcanzaron cierto éxito musical en los Estados Unidos, e incluso tocaron en el Madison Square Garden y lograron el premio de la revista Record World a la mejor orquesta de música tropical de América.
A principios de los 90´s, Andy Montañés lanza su álbum, El Catedrático De La Salsa, es un material bastante bueno en donde Andy muestra poderosa voz, en el reproductor coloque los temas que para mi gusto, simple y sencillamente son los mejores de esté tremendo trabajo, cabe recalcar que todo el álbum es bueno, y que como diría un buen amigo, nada es desperdicio…
El año 1973 fue una época exitosa y, a la vez, estresante para. Ray Barretto Su orquesta había desarrollado un séquito leal entre los bailarines de la nueva música, basada en la afro-cubana, conocida como salsa. Barretto había logrado éxito como compositor con Cocinando, la canción tema de la película producida por Fania, Our Latin Thing. Sin embargo, el explosivo grupo rítmico de su orquesta, Orestes Vilató en timbales, Johnny Rodríguez en bongó y cencerro, el bajista Dave Pérez, el pianista Luois Cruz, junto con el trompetista René López y el vocalista Adalberto Santiago, finalmente, todos lo dejarían. Mi corazón estaba hecho pedazos. Habíamos desarrollado lo que cualquier líder de orquesta desea –un sonido,” declaró Barretto.
Pero Barretto era intrépido y se reconstruiría. Llamaría a un viejo amigo, el trompetista Roberto Rodríguez, quien había decidido quedarse. Su compañero trompetista, Joseph “Papy” Román, también se quedó, y Barretto formaría un nuevo grupo que redefiniría el sonido de Barretto y reafirmaría su posición como líder de orquesta.
También llamó al veterano percusionista y amigo “Little” Ray Romero, un gigante entre los baterístas. A la riqueza de conocimiento de Romero, Barretto agregaría a otro veterano, Tony Fuentes, en bongó y cencerro. Finalmente, el lugar del piano sería ocupado por el primer pianista de Barretto, el colombiano Edy Martínez.
Martínez trajó atributos especiales al grupo. El estaba empapado del vocabulario armónico del jazz, un elemento clave en la estética de Barretto. Esto se manifestaría por sí solo en la grabación de Fania, The Other RoadEsta grabación, puramente orientada al jazz contemporáneo, presentaba al súper baterista panameño, Billy Cobham con su compañero, el también panameño, Guillermo Edgehill, en bajo eléctrico. La nueva sección de trompetas de Barretto, ahora contaba con Manny Durán, un tremendo solista de jazz, anclado por Papy Román y el trabajo de la trompeta principal ascendente del leal partidario de Barretto, Roberto Rodríguez.
A pesar de que The Other Road fue un éxito artístico, Fania estaba mal preparado para poner en el mercado un disco como ése y los leales fanáticos de Barretto se sintieron desilusionados. La idea era volver con una grabación que reafirmara la posición de Barretto como una fuerza importante en la escena de la salsa. Barretto escribió nuevas composiciones y buscó a otros que expresaran el nuevo espíritu que había encontrado, cambiando el sonido de su orquesta en el proceso.
A los ya explosivos bronces y a la sección rítmica, Barretto agregaría un flautista, el recién llegado Artie Webb. Con la flauta una octava por sobre la trompeta principal, el bronce sonaría aún más poderoso. Barretto ahora podría explorar auténticas interpretaciones de repertorio, que normalmente se asociarían con los grupos de charanga (flauta y violín) y no con conjuntos¬ con base en los bronces, una vuelta a sus días como líder de la Charanga Moderna. Julio Romero en un baby bass Ampeg, daba un poderoso sostén a los potentes tumbaos de Barretto (ritmos repetitivos).
El ingrediente final era encontrar un nuevo vocalista que fuese distinto de Santiago, pero que también tuviese las habilidades de soneo (improvisación), tan esenciales en la salsa. La respuesta sería el puertorriqueño Tito Allen. El hecho de que Allen también era bajista, al igual que Santiago, es otra conexión en esta fascinante historia. El trabajo vocal de Allen en este álbum es grandioso y lo lanzó al estrellato.
Pero el regreso con un nuevo repertorio, una nueva orquesta y un nuevo sonido tenían que venderse a los antiguos fanáticos de Barretto. El director artístico de Fania, Izzy Sanabria, dio el concepto de Superman para la carátula. Indestructible anunciaba el regreso de Ray Barretto a la escena de la salsa en una gran forma. La combinación de flauta y tres trompetas era algo que nunca se había hecho. La apertura con el uptempo de Tite Curet Alonso, El Hijo de Obatalá, fue un comienzo perfecto. La oda a la deidad Yoruba en la Santería/Ifá, fue hecha para Barretto, quien aunque no era practicante de la Santería, siempre había tomado en cuenta en su trabajo las raíces espirituales y rítmicas africano occidentales de la música. Un breve solo de piano, funky, de Edy Martínez anuncia el solo de Barretto. Es un trabajo de virtuosidad destacable, que explota con una espiral continua abierta que dura 17 compases enteros, con acentos y tonos abiertos lanzados en momentos inesperados. Finalmente, Barretto había desarrollado su propio estilo.
El relajado y candente son montuno, El Diablo, nos lleva de vuelta a una de las primeras inspiraciones de Barretto, Arsenio Rodríguez. Yo Tengo un Amor, de Rafael Hernández, es un hermoso bolero-cha que evoca las raíces de charanga de Barretto. La Familia es otra guaracha uptempo con elementos de danzónette. El entretejido trabajo de coro de Meñique y Héctor Lavoe son el marco perfecto para los soneos (improvisación vocal) de Tito Allen.
La Orquesta, de Roberto Rodríguez, es una guapacha (cha-cha-chá uptempo) dedicada a la orquesta de Barretto que evoca sus días de charanga. Llanto de Cocodrilo es una guaracha uptempo que describe a una mujer que ha hecho que un hermano pase por ciertos cambios. Allen maneja la provocadora letra con entusiasmo, vigor y un sarcasomo al puro estilo guaracha. Roberto Rodríguez explota en la sección del montuno (solo) con un solo corto, aunque demasiado breve. Ay No es otro son montuno con un energético tempo medio. El elegante solo de piano de Edy Martínez es un preludio a un solo funky, de ocho compases, del timbalero Ray Romero, con Roberto Rodríguez cerrando con algunos delicados intercambios.
El título de cierre, Indestructible resume el tema de este álbum con sangre nueva. El resultado fue una energética y confrontacional guaracha uptempo, que fue la respuesta de Barretto al dolor que le causó la deserción de su anterior orquesta. El clímax de este tema es el ahora legendario solo de timbal, de 44 compases, de Ray Romero. Indestructible, el tema, definió a Ray Barretto, el hombre, ante sus fanáticos. Que éste se convirtiera en su otro apodo, junto con Manos Duras, no fue sorpresa.
Una de las mejores producciones de Angel Canales, en la que se destaco uno de sus mayores éxitos, me refiero al tema Lejos de ti, en lo particular el tema que mas me agrada de esta producción y que lo recomiendo es el tema que lleva por nombre Hace tiempo, sin duda es una de mis canciones favores de Angel Canales de hecho lo agregue al reproductor…
Nació en Santurce, Puerto Rico. A los ocho años se mudó con su familia a Nueva York donde vivió en el East Harlem. Recibió desde pequeño gran influencia musical siendo la música de Cortijo y su Combo y la de Ismael Rivera las que más lo marcaron como músico.
Se inició como timbalista en la orquesta de Ray Jay. Fue en esta orquesta donde debutó como cantante cuando tuvo que reemplazar al vocalista. Luego se unió al grupo de Mark Dimond, ex pianista de Willie Colón. El grupo luego se cambió el nombre a "Ángel Canales y Sabor".
Con esta orquesta se hicieron los éxitos "Sabor de los Rumberos Nuevos", "Lejos de Ti" y "Perico Macoña". Se le reconoce por su interpretación del bolero "Dos gardenias".
Por la forma como distribuye la estructura de los coros de sus canciones (generalmente, utiliza dos coros con letra diferente en el montuno), su actitud en el escenario y por el peculiar timbre de su voz, Ángel Canales es llamado "El Diferente".
